なぜ縄文土器は「やりすぎ」なのに目が離せないのか──岡本太郎を圧倒させた合理性からの逸脱
縄文土器の中でもよく知られる「火焔型土器」。教科書や博物館で、一度は見たことがあるかもしれません。 ただあらためて眺めると、少し変です。縦に伸びたふちには、ニワトリのとさかのような突起。胴体には、粘土の渦巻きがびっしりと這い回っています。
火焔型土器（新潟県・笹山遺跡出土、国宝、縄文時代中期＝約5,000年前、十日町市博物館蔵）。煮炊きの実用だけでは説明のつかない過剰な装飾から、祭祀に使われた鍋と考えられている。撮影：Saigen Jiro。
これで煮炊きがしやすかったとは思えません。使いやすさだけを考えるなら、ここまで複雑にする理由はなかったはずです。
不格好で、奇妙で、明らかに「やりすぎ」なのに、なぜか目を離すことができません。この過剰さの中には、いったい何が宿っているのでしょうか。
岡本太郎、上野の衝撃
この「目が離せない感覚」を、最初に言葉にした人がいます。1951年11月、東京国立博物館の展示室。40歳になった岡本太郎は、縄文土器の前に立ち尽くしていました。
岡本太郎（1911-1996）。1953年撮影。前衛画家として名を知られていたが、1951年に東京国立博物館で縄文土器に出会い、それを「資料」ではなく「美術」として論じた。
すでに前衛画家として名を知られていましたが、このとき受けた衝撃はそれまでの仕事を根底からひっくり返すものでした。
翌年、美術雑誌にこう書いています。
縄文土器の荒々しい、不協和な形態、紋様に心構えなしにふれると、誰でもがドギッとする。なかんずく爛熟した中期の土器の凄まじさは言語を絶するのである。
「ドギッとする」。冷静な分析ではなく、まず身体が反応してしまった驚きが、そのまま残っています。当時、縄文土器を「美術（芸術）」として見る人はほとんどいませんでした。
いつ作られたか、どこから出土したのか、どんな暮らしに使われていたか。あくまで大昔の生活を知るための「資料」であり、美術館ではなく考古学の領域に置かれていたのです。
そうした見方に対して、岡本は異を唱えました。「これはただの便利な鍋ではない。見る人を圧倒する力がある」。そのように言い切れたのは、彼がパリである体験をしていたからです。
森の中の儀式
1929年、18歳でフランスに渡った岡本は、約10年間をパリで過ごしています。新しい芸術に触れる中で、彼はフランスの思想家ジョルジュ・バタイユと出会いました。
ジョルジュ・バタイユ（1897-1962）。フランスの思想家。パリ時代の岡本太郎は、バタイユの秘密結社「アセファル」に唯一の日本人として加わった。
当時のヨーロッパでは、科学や技術の発展によって「効率的で合理的なものこそ価値がある」という考え方が強まっていました。また政治の世界では、個人よりも国家や組織を優先する全体主義が勢いを増していた時代でもあります。
今の言葉で例えるなら「コスパがすべて」「周りの空気に合わせろ」という息苦しさに近いかもしれません。そのような時代の空気に、バタイユは強い違和感を抱いていたのです。
人間は役に立つことだけをして生きているわけではない。祭りで我を忘れること、見返りを求めずに何かを差し出すこと、そうした「無駄」にこそ生きている実感は宿る。
このように彼は考えていたのです。
岡本は唯一の日本人として、バタイユが秘密裏に作ったグループ「アセファル（無頭人）」に参加しています。
彼らは深夜になると、パリ郊外の森に集まりました。稲妻に焦がされた枯れ木を囲み、闇の中でただ黙って立っている。肌を刺す冷気、足もとの湿った土、隣に立つ仲間の息づかい。
何かを話し合うわけでも、何かを決めるわけでもない。合理的に考えれば何の役にも立たない時間ですが、その無駄な時間の中で岡本の身体には、理屈では説明できない熱が残りました。
バタイユが守ろうとしていたものを、岡本はパリの森の中で、言葉ではなく身体で知ったのです。
５０００年前の熱
戦後、日本に戻った岡本が国立博物館で火焔型土器を見たとき、ガラスケースの向こうから、かつてパリの森で感じたものと同じ熱が放たれていました。
器を覆い尽くす縄の模様。煮炊きには何の役にも立たない突起。うねりながら這い回る渦。便利さというモノサシでは、何ひとつ説明がつきません。縄文人は、ただ便利な鍋を作ろうとしていたのではないはずです。
収穫が続くこと、命が生まれること、死者が安らかであること、明日も無事に暮らせること。今の私たちが当然のように送っている毎日も、いつ失われるかわからなかった時代です。
だからこそ彼らの手は祈るように粘土を重ね、余計とも思える飾りを止められなかったのでないか。
岡本が土器の前で言葉を失ったのは、五千年前の人々の「生の熱量」に正面からぶつかったからでした。パリの森で得た感覚が、日本のもっとも古い地層から芸術として噴き出してきたのです。
1970年、大阪万博のために岡本が作った「太陽の塔」。あの巨大な造形もまた、合理的に説明しようとすると途方に暮れてしまいます。
万博のテーマ「人類の進歩と調和」に対して、調和を突き破り、進歩に逆行するような造形をぶつけたのです。縄文土器の過剰なエネルギーが、そのまま巨大な塔になったようにも感じられます。
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太陽の塔（岡本太郎、1970年、大阪万博のシンボルとして制作）。万博のテーマ「人類の進歩と調和」に真っ向から抗うような異形は、縄文土器で受けた衝撃が形を変えて噴き出したものだった。（画像引用：太陽の塔ミュージアムショップ 公式Instagram）
押し入れの奥にある「土器」
このような衝動は岡本太郎だけのものでしょうか。
たとえば実家に帰ったとき、押し入れの奥から子どもの頃に作った図工の作品が出てくることがあります。何を入れるつもりだったのか思い出せない粘土の器。必要以上にハサミで切り刻まれた画用紙。やたらとカラフルに塗られた木箱。
大人になった目線で見れば、どれも明らかに「やりすぎ」です。こんなに色を使う必要はないし、こんなに細かく切る意味もありません。それなのに、なぜか愛着が湧き、簡単には捨てられない。
幼い頃の私たちは誰に頼まれたわけでもなく、ただ作りたいから手を動かしていました。何の役に立つのかは関係なく、何かを作りたいという衝動が理由よりも先にあったはずです。
火焔型土器の前で私たちが足を止めてしまうのは、ただ夢中で何かを作っていた頃の自分が、ふと重なって見えるからかもしれません。
